BAUHERREN-EHRUNG der Zentralvereinigung der Architekten

Der Bauherrenpreis ist zur unverzichtbaren Einrichtung geworden, das beweist jedes Jahr eindringlicher die Ausstellung der geehrten und der nicht geehrten Projekte im Architekturzentrum Wien. Private und Kommunale Projekte werden zunehmend eingereicht, nur zu gern lässt man sich Qualität bescheinigen, wobei hier nicht nur kühne Experimente, sondern auch vorbildliche Revitalisierung gemeint sein kann. Eigentlich ist man überrascht wie viel vorbildliche Architektur dann doch realisiert wird in Österreich, auch wenn bei der Preisvergabe immer kleine Geschichten anklingen, die auf die Notwendigkeit großen Stehvermögens hinweisen. Von allergrößter Wichtigkeit ist die Kommunikation zwischen Architekt und Bauherr. Besonders seitens der Architekten ist man in Österreich froh darüber, noch mit realen Personen, ob es nun Privatpersonen oder klar definierte Zuständige der Kommunen sind, verhandeln zu können, was im internationalen Kontext oft nicht mehr gegeben ist.

Als unkonventionellstes Projekt kann man die Schlosserhalle mit Bar in Trumau NÖ. bezeichnen, ein kleines Architekturjuwel auf der grünen Wiese, ein Kubus aus rostendem Eisen mit eleganten Fensterschlitzen. Hier haben sich die „pool Architekten" mit Uschi und Ernst Hofmann nicht nur blendend verstanden, beide Seiten bewiesen auch bei der Verleihung Sprachwitz. Den Spott der Landbewohner wird dieser Bauherr aushalten und sicher wird sich das Blatt auch ganz schnell wenden. Als engagiertester Privatinstanz in unübersehbarer Größenordnung wurde den Kunstsammlern Essl und dem Architekten Heinz Tesar zum Neubau eines Museums in dem man Kunst auch wirklich zeigen kann, gratuliert. Das schicke Hochhaus am Donaukanal, hat laut Bauherr Generali (in den letzten Jahren angenehm aufgefallen) nicht nur bezüglich optimaler Nutzungsmöglichkeit bestochen, es hat sogar dem Konkurrenten Jean Nouvel gefallen. Gern schmückt sich Generali mit Weltstar Hans Hollein, hat aber auch schon jungen Architekten zum Beginn einer Karriere verholfen. Auch mit schlichten Gebäuden für kommunale Nutzung kann man Preise gewinnen, der Kinder- und Jugendhort Taxam von den jungen Architekten Flöckner und Schnöll dient als Beweis. Hier geht es um die Adaption und Erweiterung einer vorhandenen Bausubstanz, das Resultat wirkt aber sehr locker und angenehm. Zu betonen bleibt, dass dieses Projekt der Stadt Salzburg gelungen ist, denn ganz Restösterreich leidet mit, der lokale Architekturzirkus wird mit Bedauern zur Kenntnis genommen.

Jana Wisniewski

Die erste E-CULTURE Messe in AMSTERDAM am 12. und 13. November 2000

Anders als die schon zahlreicher werdenden Medienkunst-Festivals, hat die erste Messe e-culture als ein breiteres Phänomen verstanden; nicht nur Kunst und Wissenschaft vernetzt, sondern auch Unterricht, Spiel, und Gestaltung von Lebensräumen in einem umfassenden Sinne. Dennoch ist man hier der Versuchung e-commerce daraus zu machen entgangen, obwohl die e-culture im Schlepptau der Doors of Perception #6 im Messegebäude installiert, und vom Designzentrum organisiert wurde. Designing the future ist letztlich eine Aufgabe vieler unterschiedlicher Kräfte und daher vernetzen sich nun zunehmend Institutionen die auf den ersten Blick nicht unbedingt zusammenpassen. In vier Zonen unterteilt, Staging, Interacting, Learning, Playing, waren Projekte von höchst unterschiedlicher Sinnfälligkeit mit ihren Kreateuren oder Demonstratoren aneinandergereiht. Die weitaus beliebteste Station war BRAIN BALL ein Brettspiel bei dem man Intelligenz auf besondere Art einsetzen konnte. Zwei Spieler schnallten sich Stirnbänder um, welche die Ströme messen konnten und auch für die Besucher sichtbar auf einer Screen darstellten. Ein kleines Bällchen wurde auf einem Steg in der Mitte des Tisches platziert und nun sollten die Spieler durch Willenskraft das Bällchen in des Gegners Korb spielen. Die Feinheit dabei war, je mehr jemand wünschte oder krampfte umso weniger Erfolg hatte er oder sie im Spiel. Gelassene Konzentration, das war der Schlüssel, WINNING BY RELAXING nannten die beiden Software-Designer Olof Bendt und Thomas Broome ihren Spieltisch. Viele Berufsbilder, zum Beispiel in Grafik und Druck sind ja bereits durch e-design ersetzt, neuerdings wollen Computer-Freaks auch den Zufall ersetzen und bauen virtuelle Flaschenpost oder virtuellen Fischfang. Dabei ist die Zeit die man fern der Natur verbringt durch zahlreiche Fallen und Unzulänglichkeiten der Hard-und Software ohnehin schon nahezu verbraten, die langen Ladezeiten bei einigen Demonstrationen und die Abkürzungswut, die aus Institutionen leicht Verwechselbares macht zeugt auch auf dieser Messe vom Problem mit der Realität. Viel junges Publikum interessierte sich für die Stationen, die vom alternativen TV (Electrolobby) bis zu alterativen Ausbildungsstätten (Mars) bis zu www.SUPERCHANNEL.org einer Sendestation die für unterschiedliche Artikulationen offen ist, doch recht viel für gestaltungswillige und lernbereite junge Menschen bot.

Jana Wisniewski

Anschaulich vor Augen führte ein Vortrag von Enrique Dussel, wie legale Rechtssysteme zu Apparaten werden, die durch Solidarisierung kritischer Potentiale abgelöst werden müssen, weil sie die Grundbedürfnisse einer Mehrheit nicht erfüllen. Ein Rückblick auf die Geschichte von Regierungsmodellen, zeigt nicht nur deren Vielfalt, sondern auch, dass bei weltweit 85% Armen die wirtschaftsbezogene Globalisierung kein tragfähiges Muster ist, der Diskussionsbedarf ist also gegeben. Zur Identität, und dabei vorrangig der weiblichen Identität, die durch mediale Muster bis zu krankmachenden Idealvorstellungen geprägt scheint, sprach Cornelia Klinger und Boris Groys beleuchtete die Differenz von sehen und gesehen werden anhand der von westlichen Erfolgsmustern faszinierten Ostländer. Kunstproduktion ist längst nicht mehr immer ein Ausdruck grundlegender Intentionen oder visueller Ausdruck einer Identität, geformt in und von Lebensräumen. Der Ausblick auf die Documenta 11, wie sie deren Leiter Okwui Enwezor vorschwebt, beschwört ein radikales Experiment, denn Kunst wie sie in Museen und Galerien gezeigt wird interessiert ihn gar nicht. Offenbar hat er die Absicht viel tiefer zu schürfen. Die politische Realität prägt jede Art von Gestaltung und Lebensgestaltung, die politische Realität, die ja mitgestaltet werden kann. Ethnie, Religion, Philosophie und in diesem Zusammenhang auch Kunst, ist der Ansatz der Tradiertes berücksichtigt, aber auch hier ist in permanenter Weiterentwicklung der aktuelle und adäquate Zustand zu erarbeiten. Was dem Dokumentaleiter in vielen Varianten besprochenes Vorbild ist, will er nicht zwingend vorgeben – er lässt durch eine bunte, azyklische Annäherung das Bild entstehen. Man kann also gespannt sein, was im laufe eines Jahres sozusagen gruppendynamisch entsteht. Bisher sind kaum Künstler, auch nicht im weitesten Sinne Künstler zu Wort gekommen. Auf die Frage, ob ihn historische (60er, 70er Jahre) oder aktuelle Kunst als soziale Strategie interessiert, antwortet er ausweichend, beziehungsweise ergänzend. Die Strategien hätten sich immer auf ein spezielles Problem, eine spezielle Zone bezogen, ihm geht es aber um eine globale Wirklichkeit und das Modell eines Zusammenspiels einer ganz anderen Größenordnung. Auf die Möglichkeiten von Kunst mit neuen Medien angesprochen, kommt nicht gerade Begeisterung auf, eher Vorsicht – darauf, in und mit welchen Medien gearbeitet wird, darauf kommt es nicht an. Erkennbar wird, es geht nicht um den Kunstkontext und die Kunst im Kontext und keinesfalls ist das Medium die Message. Soviel ist klar, diese Documenta wird nicht mit Vermarktungsstrategien punkten, sie wird jede Menge Galeristen, Sammler und Museumsdirektoren verärgern, aber vielleicht schenkt sie uns ein neues Weltbild!

Jana Wisniewski

DU BIST DIE WELT – Wiener Festwochen 2001 in Kooperation mit dem Künstlerhaus

Das Konzept des Festwochenevents von Hortensia Völkers und den Co-Kuratoren zielt auf die neuerdings weltweit eingeforderte Eigenverantwortung der Bürger, einer Freiheit mit Tücken. In einer umfassenden Schau, die über die Medien Film, Theater, Performance, Bildende Kunst, Vorträge, Diskussionen und Musik transportiert wird, nähern sich diverse Künstler dem Thema des neuen, flexiblen, freien Weltbürgers und Weltwanderers. Aber auch der Betrachter/Konsument des Festwochenangebots wird in dieses System der freien Wahl eingebunden, die Besucher sind somit aufgefordert sich ihren eigenen Weg durch das Kunstangebot zu bahnen, initiativ zu werden, Erfahrungen zu sammeln.

Der Komplex „Künstlerhaus" besteht ja aus einem großen Ausstellungshaus, mit einem Raumangebot das mehrere Ausstellungen oder Events parallel möglich macht, dem geräumigen Künstlerhaus-Kino und dem Künstlerhaus-Theater, daher mussten hier keine Räume aufgebaut werden, man nützt einfach die Struktur. In der Künstlerhaus Passagegalerie hat man noch ein Medienlabor installiert, für die Bereiche Elektronische Musik, Netzradio, Streaming Media, man kann also in einer Art Minimundus der Kunst den Episoden die vor Ort präsentiert werden, in Räumen oder unter freiem Himmel, ganz zwanglos folgen. Immer wieder stellt man fest, dass der Computer sogar das Denken revolutioniert hat, statt linear wie früher, spielt man nun parallel in Fenstern auch Kunstwahrnehmung. Von der Medienkunst als Ausstellung wandert man ins Kino, dann zum Video/Musikevent unter freiem Himmel in frei gewählter Reihenfolge – Besucher, du bist die Welt!

Aber Vorsicht! An einen Parcour der seichten Unterhaltung ist hier nicht gedacht, auch wenn immer wieder Ironisches auflockert. Krisen- und Kriegsherde, die vielleicht banal klingende „flexible Arbeitszeit", das exzessive Konsumverhalten, die Probleme die nach wie vor Anhänger unterschiedlicher Religionen miteinander haben werden hier ebenso bearbeitet wie die immer schwieriger werdenden Möglichkeiten zur Identifikation. Multiple Identitäten, der fremde Blick und das immense Werbeangebot werden durch Kunst gefiltert mitunter klar wie Wasser. Worum geht es da eigentlich? Das sind die Fragen, die uns wohl heute alle beschäftigen. Zwei Vorgangsweisen sind typisch, die eine ironisch, sie stellt das Leben und Treiben in der Art eines Kinderspiels dar (Sandkastenspiele der Erwachsenen ) die andere Art der Annäherung ist strikt und lapidar, sie zeigt einfach was Sache ist. Andreas Siekmann zeigt das Leben als Spieldose, konkret oder in Computerdrucken (Das geistige Tierreich) Dorit Margreiter zeigt in einem Video das Sehen von Leuten die etwas sehen (Around the World) die Weltreisenden auf der Suche nach Zusammenhängen real vor Ort, in Büchern und Museen und ihre Versuche die Welt festzuhalten auf den zeitgenössischen Speichermedien. Als dritte wesentliche Komponente kommen noch die Verluste die als Verletzung erlebt werden hinzu.

DU BIST DIE WELT – aber – WAS KOSTET DIE WELT?

Jana Wisniewski

EINE BAROCKE PARTY – Kunsthalle Wien

Das gelungene Ambiente von alt und neu, die Architektur der Kunsthalle betreffend, motiviert zu einem ähnlichen Versuch in der Kunst – barockes Lebensgefühl alt und neu ist das Thema der Ausstellung und der Events. Der Standort der neuen Kunsthalle im Fischer von Erlach-Gebäude ließ ein Thema virulent erscheinen, das eigentlich sehr gut zu Österreich passt, das aber durch die Kuratoren Sabine Folie und Michael Glasmeier zwar den Bogen zur Architektur spannt nicht aber zu Künstlern und Ländern die wir als mit barockem Lebensgefühl ausgestattet empfinden.

„Eine der Sachen die mich verrückt machen, ist der internationale Stil" – mit diesem Zitat von Paul Thek, dem Amerikaner aus New York, erklärt sich seine Reiselust und seine späteren Wohnorte Rom oder Amsterdam, aber auch seine Arbeit in Auseinandersetzung mit religiösen Ritualen und Lebenslust. Als gelernter Österreicher kann man allerdings nicht umhin, sich an Günther Brus und Hermann Nitsch erinnert zu fühlen. Bei Paul Thek geht es um das Leiden an Lebenskonstrukten, die seinem Selbstverständnis nicht entsprachen, kühle Architeturfragmente brach er mit „Körperkonstrukten" auf und schuf Inseln anders gelagerter Befindlichkeiten, dank einer hohen Sensibilität.

Dinos & Jake Chapman, Vertreter einer jüngeren Generation, immer gut für einen vielleicht heilsamen Schock, steht die Rolle gut, sich mit der Nähe zum Tode im barocken Lebensgefühl auseinander zu setzen. Riesige beschriftete Totenköpfe, transponieren diesmal in Kunst, also keinerlei direkt „Eingelegtes". In den farbigen Zeichnungen sind sie übrigens subtiler, erinnern da aber auch an eine mitteleuropäische 68er Generation. So schließen sich die Kreise, der fremde Blick eröffnet uns ein Barock aus England, Belgien, Deutschland und Amerika – das ist sehr interessant, aber mit Dinos & Jake Chapman, Wim Delvoye, Ulrike Grossarth, Yvonne Rainer, Sam Taylor-Wood, Paul Thek, sieht man eher Randpositionen jenes barocken Lebensgefühls und dessen Repräsentanz in der Kunst besetzt. Das (Zitat) oszillieren zwischen Allegorie und Realismus, Fest und Vanitas, zwischen Erotik und Religion, zwischen heilig und profan, dargestellt durch theatralische, rhetorische und illusionistische Kunstgriffe, hätte man wohl in Italien und Spanien auch suchen müssen.

Denk-Räume einer Tänzerin (Ivonne Rainer) eine witzige „barocke" Mischmaschine, der „Verdauungsapparat" als Kunstwerk zwischen Wissenschaft und Technik, die Hysterie als Projektion, lassen den Ausstellungsrundgang dennoch als abwechslungsreich erscheinen, der Spagat zwischen „hehrer Kunst" und Wunderkammer ist jedenfalls gelungen.

Jana Wisniewski

EINE GESCHICHTE DER FOTOREPORTAGE Jana Wisniewski

Robert Lebeck, engagierter Fotojournalist, wird von Bodo von Dewitz im Verlag Steidl als Sammler präsentiert. Am Ende des klassischen Fotojournalismus, am Beginn aktueller Möglichkeiten mit Digitalkamera, Laptop und Internet ist dieser Überblick zur Bildkultur ( auf der Basis einer selektiven Datensammlung) in den Printmedien eine willkommene Standortbestimmung. Die relative Freiheit eines Bildjournalisten, die auf Ungebundenheit basierte, beziehungsweise Reisefreudigkeit voraussetzte, hatte immer einen Wermutstropfen in der arbeitsteiligen Produktion. Der Fotograf war und ist Zulieferer und die Redakteure vor Ort platzieren seine vielleicht unter abenteuerlichem Einsatz zustande gekommenen Fotos besser oder schlechter, beschnitten oder sogar mit falschem Untertitel. Umgekehrt kann die Authentizität des Abgebildeten auch nur beschränkt nachvollzogen werden. Das „Wegwerfobjekt" Tageszeitung oder Wochenzeitung vermittelte mehr als ein Jahrhundert das Tagesgeschehen und wurde schlussendlich durch das Fernsehen überholt. Die bewegten Bilder bleiben zwar nicht im gleichen Ausmaß haften, wie ein einzelnes Bild, das die Situation meisterhaft erfasst und repräsentiert, doch wirken filmische Sequenzen, die noch dazu aktuell übertragen werden könnten, authentischer, und nehmen vorweg, was in den Printmedien besser oder schlechter analisiert wird.

KIOSK 1839-1973 Eine Geschichte der Fotoreportage, zeigt vor allem, dass die Geschichte der Fotokunst mit der Geschichte der Fotoreportage eng verknüpft ist, schließlich war es das Brot vieler begabter Fotografen, einen Vertrag mit einer bedeutenden Zeitung abzuschließen – eine ganze Reihe klingender Namen beweist das. Auch Fotokünstler, die wir aus dem Kunstkontext weit besser kennen, hatten Verbindungen zur Presse. In der Regel bildeten Fotograf und Textautor schon bei der Aufnahme ein Team. Man muss allerdings eine unglaubliche Vereinfachung der fotografischen Technologien und vor allem des Gewichts der Fotoausrüstung dafür verantwortlich machen, dass nun immer mehr Menschen eingespart werden, neuerdings ist ja sogar die Fotoausarbeitung eine Sache ohne Dunkelkammer. Auf ungefähr 300 Seiten stellen die Autoren zusammen, was die Welt bewegte, in exemplarischen Bildern von begabten Fotografen. Von Politischer Propaganda mit Fotografien, über ernüchternde Kriegsberichte bis zu Lifestyle und Sportberichten, widmete sich die Fotoberichterstattung immer den „Highlights", die oft genug die Gesellschaft als Horrorszenario entblößten. Dem Liebhaber der „Reliquie" Altpapier, sofern sie mit relevanten Daten bedruckt ist, erschütterte der aktuelle Umgang mit Geschichte. Nach der Mikroverfilmung entsorgt, oder wegen zuwenig Geld statt digitalisiert in einem Bergwerk gelagert (der Öffentlichkeit entzogen) – Robert Lebeck´s Sammlung ist auch ein Hinweis darauf, dass Papier weit haltbarer ist als alles was wir heute an aktuellen Speichermedien haben und es daher recht verantwortungslos ist, von Datensammlungen zu sprechen, wenn keineswegs garantiert werden kann, dass sie rechtzeitig auf das mit kurzem Ablaufdatum versehene Speichermedium gebannt, möglicherweise für immer verloren sind. Last not least, die Namen der Fotografen die in der Liste der Publikationen in diesem Buch vorkommen, sind Grund genug, deren Arbeit zu bewahren, ob das nun Herbert Bayer, Karl Blossfeldt, Bill Brandt, Brassai, Rene Burri, Henri Cartier Bresson, Robert Doisneau, Walker Evans, Lux Feininger, Ernst Haas, John Heartfield, Andre Kertesz oder Man Ray sind. Ob ein Bild mehr als tausend Worte sagt, das bleibt dahingestellt – für das mitfühlen ja – für das verorten – nicht immer. Weit eher könnte man sagen, ein Buch sagt mehr als tausend Daten, denn hier werden die Bilddaten im historischen Kontext, mit entsprechenden Bildtexten präsentiert.

EUROPAS BESTE BAUTEN Preis der Europäischen Union 2001

Am Beginn des 2. Jahrtausends, scheint sich in der Architektur eine Trendwende abzuzeichnen, dem „Internationalen Stil" begegnet man zunehmend durch Bezugnahme auf lokale Eigenheiten und geographische Besonderheiten. In übertragenem Sinne werden auch alte, bewährte Baumuster eingebracht und für neu entstandene Kontexte nutzbar gemacht. Ja, sogar in der Architekturfotografie scheint sich was zu ändern, die Bauten werden zum Teil in „belebtem" Zustand fotografiert – also mit Nutzern, Passanten, Besuchern.

Alle zwei Jahre wird der Mies van der Rohe Preis für zeitgenössische Architektur vergeben und im Rahmen einer Wanderausstellung auch im Ringturm in Wien gezeigt. Auf der Basis einer breiten Recherche im Europäischen Raum (diverse national und international agierende Architekturinstitutionen und Verbände dürfen Nominierungen eingeben) übernimmt die Fundació Mies van der Rohe in Barcelona die Auswahl mit einer länderübergreifenden Jury.

Der Preisträger ist diesmal Rafael Muneo mit seinem Kurzentrum in San Sebastián. Die Anlage ist durch die reizvolle Lage begünstigt, sowohl Landschaft, als auch Altstadt bieten einen willkommenen Kontrast zu den schlichten Kuben, die durch Oberflächenstruktur und Materialität dennoch belebt wirken und sich nachts wie leuchtende Kristalle vom Umfeld abheben. Den Preis für den Nachwuchs, für junge Architekten mit alternativen Sichtweisen, hat Florian Nagler mit seinem Team schon etwas schwerer errungen, mit dem Entwurf zu einem holzverarbeitenden Betrieb in Bobingen, Deutschland. Hier überzeugt die Logik der Praxis, verbunden mit einem kleinen Kick – wenn die Industrieglas-Tore hoch rollen, bekommt der Quader ein neues Gesicht. Dann überragen die Tore den First und die Leitplanken die das Terrain abstecken, nehmen sich wie Augenbrauen über den Öffnungen aus.

In der Ausstellung befindet sich auch ein österreichisches Projekt, Wohnbau von Carlo Baumschlager, Dietmar Eberle B&E/Architekturbüro. Die Siedlung in Innsbruck bezieht sich gleichermaßen auf Stadt und Land, da sie auf der grünen Wiese am Stadtrand situiert ist. Mit dominanten Balkonreihen die das Spiel vom Kontrast des dunkel gebeiztes Holzes zum weißen Mauerwerk aufnehmen, beziehen sie sich auf Traditionen. Weit exzentrischer verarbeitet Edouard Francois in Montpellier Rustikales, seine Wohnsiedlung mutet wie eine exotische Festung an. Ein Mix aus maschinell hergestellten Strukturen und echtem Holz und Stein, verweist wohl darauf, dass es eher um die Gefühle dahinter geht, um Schutz und Ausblick, Abgrenzung und Kommunikation.

Jana Wisniewski

FABRIZIO PLESSI – Only Fire – SAMMLUNG ESSL ( 28.11.2001-17.2.2002)

Fabrizio Plessi liebt das Wort Videokünstler nicht, den Versuch einer Einordnung die ihm oft zuteil wird. Tatsächlich sind es ja seit vielen Jahren Skulpturen die Monitore enthalten, mit einem Videoprogramm, welches nur im Zusammenhang mit dem konzipierten Umfeld Sinn macht. Sehr häufig geht es um Feuer und Wasser, die Naturgewalt ist jedoch hinter Glas, läuft virtuell als Zeichen für Feuer oder Wasser. Massiv und in ihrer Materialität dominant, sind die Skulpturen, die oft mit Gebrauchsgegenständen versehen, eine sehr eigenwillige Verknotung von archaischen Metaphern, sowie neuen und alten Technologien realisieren. Mit einer Methode der Umkehrung von Erwartungshaltungen, verweist er auf Leben spendende Qualitäten. So steckten etwa Schaufeln nicht im Wasser, sondern im Monitor, oder wie bei seiner aktuellen Werkgruppe bei Essl, verbrennt nicht Feuer Baumstämme, sondern fließt weit eher wie Blut in Adern oder Mark in Knochen. Das „Feuer" im Baumstamm wirkt wie eine Urkraft und in einem Gedicht aus der Feder des Künstler manifestieren sich seine Wünsche, die auf eine Sensibilisierung und Erotisierung abzielen. Man möge sich selbst und die eigenen Intentionen und Möglichkeiten wieder fühlen, das ist die Botschaft des Feuers.

Den Monitor, und damit eigentlich den Fernseher, spannt er in einen Kontext von seit jeher gebräuchlichen Lebensmustern: Das „Wasserrad" nahm er wörtlich, als Sinnbild für Zeit und Leben und Überleben, denn das Wasser kann nicht verloren gehen wenn es als Video am Bildschirm läuft. Die gewaltigen Ausmaße und die marginale Ästhetik seiner Objekte kam von jeher gut an und hat ihm auch etliche Aufträge für öffentliche Räume gebracht. Anders als die Autoren vieler „medienreflexiver" Kunstwerke, blieb Plessi immer am nährenden Boden emotional sich vermittelnder Statements – man kann viel oder wenig hineininterpretieren in seine Werke, die meisten Menschen fühlen sich aber spontan angesprochen. Ein wesentlicher Grund für die hohe Akzeptanz seiner Werke mag auch darin liegen, dass er immer mit und nicht abgehoben vom Ort agierte, die schönsten seiner Installationen ergaben gemeinsam mit den Räumlichkeiten ein Gesamtkunstwerk.

JANA WISNIEWSKI

FESTIVAL OF LIGHT – TORONTO (KANADA)

Im Kontext des weltweit ausgetragenen Festival of Light (Fotografie und angrenzende Künste) spielt TORONTO, die ehrgeizige englischsprachige Stadt erst kurz mit, ihr stets rivalisierender Gegenpart, die französischsprachige Stadt Montréal organisiert schon weit länger, jeweils im Herbst ein wohlbekanntes Fotofestival. In jedes dieser 22 Festivals in 16 Ländern, die rund um die Welt ausgetragen werden, von Houston bis Moskau, von Stockholm bis Mexico City, fließt bei aller Internationalität der Kunst und der Kooperation, doch etwas Lokalkolorit ein. Das haben wir sicher schon bei näheren Nachbarn, etwa Paris und Bratislava, die ebenfalls in diesem Weltfestival mitspielen schon beobachten können. Der „Canadian PhotoGuide" der alle zwei Monate herauskommt, listet auch internationale Ereignisse auf, allerdings ist wohl alles was deutsch ist in Germany, auch das Fotomuseum Winterthur und Österreich ist, was die Fotografie betrifft weit weniger bekannt als unsere östlichen Nachbarländer, es kommen daher, wie so oft im Fotokunstkontext keine Österreicher vor.

An 138 Orten der Stadt TORONTO waren vom 1. bis 31. Mai 2001 Fotoausstellungen zu sehen, von Pariser Innenräumen von Eugéne Atget in der Art Gallery of Ontario (Zeitgenössisches Museum) bis zu SPEECHLESS, einer Dose mit Fotozeichen (Postkarten) kanadischer Künstler, präsentiert in der NOW Lounge, dem Kommunikationsraum einer lokalen Programmzeitung. Ein sehr konstruktiver Guide begleitet CONTACT, das TORONTO PHOTOGRAPHY FESTIVAL, das sich mit einem Einführungsvortrag des Starkritikers A.D.COLEMAN aus New York in die richtige Position bringt, mit einigen kuratierten Ausstellungen Zeitthemen aufgreift und mit einer beträchtlichen Anzahl guter Galerien (von denen einige auch auf die großen Messen New York, Paris, neuerdings auch Basel gehen) sich gezielt auf die Weltbühne spielt. Der Charme Torontos liegt aber in der etwas vergammelten aber hippen Qeensstreet, mit den Designerläden, schrägen Discos, gemütlichen Lokalen, die sich zum Teil auch am Fotofestival als Ausstellungsanbieter beteiligten. Im eleganten Yorkville nehmen Kunstgalerien wie Mira Godard oder ArtCore am Fotofestival, mit Positionen aus dem Kunstbereich teil, der nicht auf „Fotografie" als Medium abstellt. ArtCore zeigte Michael Flomen´s irritierende Wasserbilder, die an Textile Faltenwürfe oder Lederhäute erinnern, einen Kanadier der Landschaft sehr stark abstrahiert und verfremdet. Mira Godard zeigte eine der Frontpositionen neuer Indianerkunst, Jane Ash Poitras, die als Gebildete (Biologie+Kunststudium) ihre Wurzeln reflektiert und in einer Art erweiterter Porträtkunst einen sehr politischen Kurs steuert. Die Edward Day Gallery zeigte Fotos von Tom Dean, den wir von der letzten Biennale in Venedig kennen, allerdings vornehmlich mit Skulpturen.

Zur Gründung des Festivals, das nun zum 5. Mal stattfand, kam es aber auf der Basis klar definierter Fotogalerien, wie Stephen Bulger Gallery, die sich bei diesem Festival organisatorisch betätigte, oder Jane Corkin Gallery, die sich noch im letzten Jahr engagierte. Was „photographische Qualität" ist, kann man an solchen Orten auch am besten studieren, die machen keine Fehler, ob konservativer oder moderner, das Programm hält durchgängig. Auf Harold Edgerton, einem Ingenieur am Massachusetts Institut of Technology, der dank Stroboskop sehr früh in der Lage war, Bewegung zu fotografieren, fiel die Wahl der Galerie Jane Corkin, sie besitzt 20 Stück dieser Bilder die Geschichte machten, darunter den weltberühmten Milchtropfen. Auf ihrer Einladungskarte verweist ein kühner Schwung auf einen Volkssport, der viel schwerer ist als dumme Sprüche in Österreich meinen (haben sie noch Sex, oder Golfen sie schon?) Kuratierte Ausstellungen gehen indessen Phänomenen nach, die bei uns auch auffallen. LUX NOVA in der York Quai Gallery, Harbourfront Center, beschäftigt sich mit der Strömung des LOW TECH. Junge oder jüngere Künstler, die sich mit alten Phototechniken herumplagen, in dem Fall handelt es sich in der Mehrzahl um Künstler aus Toronto, ähnliche Intentionen konnte man aber auch in letzter Zeit in Österreich beobacchten, sind wohl die Antwort auf zu viel Automatik, die ja tatsächlich die Kreativität mindestens ebenso hemmt wie beflügelt. Eine Adresse, die man in Toronto auf jeden fall besuchen sollte ist „The Power Plant," dort ist Zeitgenössisches recht frisch und aktuell angesagt. Es ist zwar nicht dezidiert eine Fotogalerie oder ein Spot für Neue Medien, aber wie die Kunst so spielt, bedient sie sich nun fast ausschließlich neuer Medien.

Was ist Kanadisch? Auf diese Frage muss ich die Antwort schuldig bleiben. Der Nationalstolz der Kanadier ist gewaltig, aber Nationalismus hat mit Rassismus nichts gemein, die lässigen Bermudashortsträger mit karierten Hemden, sind einen Straßenzug weiter verschwunden und durch zierliche Asiaten ersetzt, weder das Aussehen, noch die Namen geben schlüssige Auskunft. Außerdem haben dann immer Polen in Bermuda fotografiert und Asiaten in Mexico. Sehr viel gute Fotografie, darunter nach wie vor viel schwarzweiss, einige ungewöhnliche Positionen, wie etwa Pagoden ganz ornamental aufgelöst auf Reispapier gedruckt, ein politisches Bewusstsein, das Praktiken hinterfrägt ist ebenso in wie rein ästhetische Positionen reichlich vorhanden. Man bleibt beim Bild, der Lauf durch die dunklen Kammern mit Installationen hält sich in Grenzen und der Computer ist ebenso wenig ein Heiligtum, wie die Toleranz gegenüber Schwulen kein Religionsbekenntnis ist. Das soziale Gefälle ist die Trennscheibe, wie überall auf der Welt. Darüber hinaus wollen Kanadier nicht mit der USA in einen Topf geworfen werden, diesbezüglich sind sie sehr empfindlich.

Besonders hilfreich erscheint der Kontakt zu einer Zeitschrift, die ähnlich wie Eikon gelagert ist, mit PREFIX Photo kann man sich anfreunden, das ist der Filter für die Szene vor Ort, das ist die Qualität, mit der man selbst gern umgeht. Eine sehr interessante Ausstellung: Writers respond to Photography in der TCP – Galerie schließt den Kreis – internationale Fotokunstpositionen werden mit kurzen Texten konfrontiert die nicht Kunstkritik oder Beschreibung sind, sondern weit eher ein erweitertes Porträt dessen was Photokunst darzustellen in der Lage ist. Das bewährte Modell, Künstler aus der Region mit internationalen Größen wie Boltanski und Sugimoto zu verknüpfen, bringt immer die Möglichkeit den eigenen Stellenwert zu prüfen. Nach Art des Hauses, pflegt TPW – Toronto Photographers Workshop den Dialog mit den Wort-Künstlern.

Jana Wisniewski

FLASH AFRIQUE – Kunsthalle Wien

Sechs fotografische Positionen aus Westafrika beschreiben, was sich seit der Studiofotografie von Seydou Keita (Mali) an Fotobewusstsein entwickelt hat und darüber hinaus auch ein wenig wie die Menschen leben, was sie sich wünschen und wie sie sich dargestellt haben wollen. Seydou Keita ist in Europa ein bekannterer Fotokünstler als ihm selbst bewusst zu sein scheint. Er hat allerdings seine Tätigkeit als Porträtfotograf bereits eingestellt, seine großformatigen Bilder sind Sammlungsgut und sein Fotoatelier in Afrika Ort für Recherchen jüngerer Autoren, die neuerdings auch bemüht sind, das fotografische Erbe der Region zu konservieren.

Seydou Keita, der bei seinem Vater und seinem Onkel Möbeltischlerei lernte kam zufällig zur Fotografie, weil sein Onkel 1935 eine Kamera von einer Geschäftsreise mitbrachte. Er begann ohne die geringsten Anweisungen, erhielt später Hilfe in einem Fotozubehörgeschäft, fotografierte nur auf Bestellung, bekam auch immer Geld dafür und überlebte nicht nur allerlei technische Pannen und aufgebrachte Porträtierte, sondern entwickelte einen unverwechselbaren Stil, der nicht nur den Einheimischen gefiel, sondern letztlich auch Anerkennung im Fotokunstkontext erfahren hat. Auf der Basis eines Selbstdarstellungsrituals, brachten die Modelle oft ihre eigenen Requisiten mit und posierten für ein Image das sie sich ausgedacht hatten. Die Vorbilder zur Selbstdarstellung waren aber keineswegs unbedingt authentisch, im Sinne lokaler Gebräuche, sie waren oft inspiriert von dem, was die Menschen so über die große weite Welt wussten, was sie für bedeutsam hielten.

Ein wesentlich jüngerer Kollege, Philip Kwame Apagya, der auch während der Ausstellung in der Kunsthalle Wien anwesend sein wird, verwendet gemalte Hintergründe, die so was ähnliches wie die Skyline von Manhatten, ein annäherd modernes Badezimmer, ein Büro mit einem fast aktuelle Computer ecetera......darstellen, die als upgrade der Verhältnisse dienen. Er wird auch hier auf Kunden warten, nur müssen die wohl eher einen Sinn für Humor haben, wenn sie sich vor diesen „modernen Stylinghilfen" ablichten lassen.

Von der Qualität der Fotografie her, sind es aber eher die Bilder von Bouna Medoune Seye, der das Elend auf den Straßen von Dakar in gekonnten Ausschnitten und mit starker Aussagekraft festhält und jene von Dorris Haron Kasco, der „Randständige" oder „Verrückte" wie er das nennt aus Abidjan, die mit Seydou Keita mithalten können – auf einem ganz anderm fotografischen Weg, einer dokumentarischen Disziplin.

Interessant sind die begleitenden Maßnahmen zur Ausstellung. Filmaufnahmen von Rappern, die noch wirklich eine gesellschaftliche Funktion haben, die für viele Analphabeten so was wie kritische Zeitung darstellen, oder die Aufnahmen über die Herstellungsprozesse der Fotobilder. Am 8. September versucht auch ein Symposion zu „Ästhetik und Kultur des Diversen" Daten zu einer möglichen Rezeption zu erarbeiten. Ab 16 Uhr diskutieren und ab 19 unterhalten sich „Fachleute" unterschiedlichster Herkunft in der Afro Lounge bei DJ Price Zeka

Jana Wisniewski

FLATZ in der KUNSTHALLE KREMS – Start der Veranstaltungsreihe: Kunst - Gewalt

Als Initiator der Veranstaltungsreihe „Kunst - Gewalt" die von Rainer Metzger konzipiert wurde, entpuppte sich Franz Morak, dem Staatssekretär fehlte rundum eine Reaktion der Künstler auf die sich häufenden Gewaltakte. Von der Kunsthalle Krems wird diese Aktion als „Kunst gegen Gewalt" ausgewiesen und dem Staatssekretär für Kunst und Medien schwebten da Protesthaltungen wie sie die 68er Generation übte vor. Rainer Metzger bezieht sich auf das Generalthema „Gewalt" in den Arbeiten von Flatz, der in unzähligen Varianten und Techniken sich dem Thema stellt, in Selbstversuchen als Performer, Fotograf, Filmer, Eventorganisator, Buchautor. Wie seine Website www.flatz.net beweist, ist er auch ein exzellenter Darsteller und Vermarkter seiner Ideen, als moralisches Engagement kann man den Umgang mit Gewalt wie sie Flatz vorführt aber wohl kaum sehen. Es ist weit eher ironische Distanz, mitunter Faszination bezüglich des Bösen, ein Austesten der eigenen Gefühle und der Wirkungen auf andere, denn eine Haltung gegen etwas.

Die Aktion vor der Ausstellungseröffnung, war verglichen mit früheren Manifestationen eher zahm „Einer für Alle" beschäftigte sich mit der Opferrolle. Beim betreten der Ausstellung sieht man sich mit einer frühen Arbeit von Flatz konfrontiert, die Hitlerbilder mit eigenen Porträts konfrontiert, in der Art des Nachstellens von Posen und Mimik. In weiteren frühen Arbeiten aus den 70er Jahren stellt er die Angst vor unbekannten Personen und Handlungen, die in Gewaltakte kippen bloß. Aggression lotet Flatz auf der Basis der Freiheit der Kunst aus, die keine Verpflichtung zur Moral hat und geht dabei auch ziemlich schonungslos mit sich selbst um: Gib mir dein Fleisch, ich gebe dir meines, dann sind wir eins! Er kann aber auch mit Humor Machtpotential knicken. Sein Hund mit dem Namen Hitler und dessen alltägliche Geschichten, von Hitler hat Schluckauf, über Hitlers sehnsuchtsvoller Blick nach Österreich, bis zu Hitler erfindet den sozialen Wohnungsbau ( Gefechtsturm mit Fenster ) zeigen, dass Flatz Grenzen in jede Richtung hin zu überschreiten bereit ist. Gewöhnlich erreicht der Künstler aber die Aufmerksamkeit der Medien durch weit mehr Materialverschleiß, wie etwa 1993 im steirischen herbst, als die Arie einer Sopranistin in Staub und Schutt unterging, weil der Künstler während ihres Vortrags, das Haus vor dem sie stand sprengte.

Zu Gewalt haben sich österreichische Künstler immer wieder etwas gedacht, in letzter Zeit sind die Statements bildender Künstler aber direkter politischer Agitation gewichen, die Reflektion und Selbstversuchsmanier ist Strategien gewichen wie sie die Wochenklausur etwa bezüglich der Schubhaft praktiziert hat, oder feministische Direkthilfeprogramme der Geschwister Hohenbüchler formuliert haben – es besteht da ein Missverständnis – die Künstler sind nicht unpolitisch geworden – ihre Zeichen haben sich verändert.

JANA WISNIEWSKI

FRANZ WEST – Gnadenlos – im MAK - 21.Nov.2001 – 17.Feb.2002

„Hängen sie sich ein Passstück um den Hals + setzen sie sich in Szene!" die neuesten Passstücke haben die gleiche Funktion wie jene Skulpturen mit denen der Weg des Künstlers begann. Alle Sitzgelegenheiten sind anwendbar, steht als Aufforderung an der Wand, aber sind die Sitzmöbel einladend? So sperrig wie die „Schmuckstücke" so rau und wenig hautfreundlich sind die „Möbel". Mit wenig Aufwand und viel Ironie entsteht eine Kultur der Verneinung von „Gestaltung" die aber gerade durch die Verhöhnung die Muster dahinter freilegt. Der in den letzten Jahren meistgezeigte österreichische Künstler bedient das Muster des Künstlers als Querdenker und ein „Wienbild" wie man es gerne zurichtet, mit sympathischen Querulanten, Fortschrittskritikern, Lebenskünstlern die „leidend" genießen. Gnadenlos zerstört er die Vorstellung, dass Kunst innovativen Charakter haben muss, indem er nicht nur sich selbst plagiiert, sondern auch Ideen von aktuellen Kunstwerken und Künstlerkollegen auf seine Weise nützt. Mit seinem Vernissagen-Schaugießen (weil Bildhauer über Gips gießen, macht er es umgekehrt und setzt ein funktionsfähiges Auto außer Betrieb) stülpt er sich auch noch über eine Idee von Erwin Wurm. Mit seinen „Selbstbezeichnungen" als multiple Persönlichkeit wiederholt er Peter Weibel´s Ausstellungsidee, die in den gleichen Räumen stattgefunden hat. Sein Modell „Drama" ist die Vergrößerung des Originals, welches bereits im öffentlichen Raum aufgestellt ist, das allerdings nur ein Drittel an Ausmaß hat. Also zuerst das Original und dann das Modell, ein Umkehrschluss der aber auch umgekehrt funktioniert, denn wie oft werden tadellose Anwendungen als Idee einer anderen Person groß herausgebracht, gedankenlos wiederholt und bekommen erst als sattsam wiedergekäute „Innovation" Weltgeltung. Es mag kein Zufall sein, dass die Skulptur „Drama" einen in sich geschlossenen Darm darstellt , also die unendliche Verdauung.

Mit „Brückenköpfen" ziert er die unmittelbar neben dem MAK liegende Brücke, mit Köpfen, die aber in ihrer Ausformung an jene Vasen erinnern, die nicht weit, in dem einen oder anderen Park, ähnliche Geländer zieren. Im Inneren des Ausstellungsensembles installiert er ein Raumgebilde mit Turmargument, ein Environment das an die unendliche Bücherturmgeschichte im Museumsquartier mit künstlerischen Mitteln anknüpft. Ob Museumsneubau oder Alpenglühn, was immer Franz West anfasst wird zum Spottgedicht. Wer hoch stapelt, fällt in der Gunst des Künstlers tief, am Ende bleibt immer ein wenig Gips und Farbe.

JANA WISNIEWSKI

FRIEDRICH KURRENT – Einige Häuser, Kirchen und dergleichen ........ Anton Pustet Verlag IBSN 3-7025-0437-0

Das Lebenswerk eines leisen, aber keineswegs unbedeutenden Architekten, dargestellt von ihm selbst, ist das amüsanteste Buch zur Architekturgeschichte, es liest sich wie ein Roman.

Die Österreichische Gesellschaft für Architektur machte Friedrich Kurrent ein Angebot, und „wenn schon, denn schon" wollte Kurrent „sein" Buch gleich selbst schreiben. Das ist weiter nicht verwunderlich, da er ja sowieso viele Daten selbst beisteuern hätte müssen, doch ohne Scarlet Munding wäre die Arbeit dennoch kaum zu bewältigen gewesen.

In das Bewusstsein der Öffentlichkeit trat Kurrent gemeinsam mit drei Kollegen, der Arbeitsgruppe 4 (Holzbauer, Leitner, Spalt, Kurrent), die sich später als ¾ ohne Leitner fortsetzte. All das, was davor, danach, dazwischen und überhaupt in die Öffentlichkeit drang, warum, wie und wieso nicht, beschreibt Kurrent in seinem Buch offen und humorvoll. Ein Blick zurück ohne Zorn? Engagement lohnt sich nur beschränkt, Politik in eigener Sache weit eher. Die Medien haben noch ein eigenes Interesse, die Produktion von „Stars", auch in der Architektur geht soweit, dass etwa aus einem Bild der „Sechs vom Schillerplatz" in der Akademie der bildenden Künste, Wien, von 1978, drei für eine Sendung im Jahr 2000 gelöscht wurden.

Friedrich Kurrent geriet durch seine Lehrtätigkeit in München ein wenig aus dem Wiener Blickfeld. Er stellte sich vielen, unterschiedlichen Bauaufgaben, und ist wohl einer, der sich nicht verbiegen lässt. Mit der Postmoderne konnte er sich nicht recht anfreunden und kulturpolitische Fehler nahm er nicht unwidersprochen zur Kenntnis. In seinem Buch sind ihm eigentlich alle Aufgaben gleich wertvoll, er erstellt keine Hitlisten. So kann man sich fragen, ist das ein Buch zur Zeit, der Zeit vielleicht sogar voraus, weil das mondäne Vermarktungsprinzip den Zenit bereits überschritten hat? Einige Häuser, Kirchen und dergleichen, und viele Gedanken, Erwägungen, Kritiken und Dokumentationen beschreiben ein reiches Leben. Es wurde zwar ein Werkverzeichnis angegliedert, und gesondert ein Ausstellungsverzeichnis zusammengestellt von Scarlet Munding, aber keine Biografie – warum auch – das ganze Buch ist Biografie. Und was ist ein Werk? Ein realisierter Bau, oder eine Planzeichnung – Beides!

Jana Wisniewski

G.R.A.M.

Künstler gegen Künstler, eine Attacke auf den Starkult, Kritik der Medienwirklicht, Zweifel an der Tauglichkeit von Fotografie Realität darzustellen, die Künstlergruppe g.r.a.m. wirft vielerlei Fragen auf und widerlegt vor allem einen immer noch und immer wieder gestellten Anspruch: Das Genie ist einsam!

G.R.A.M. wurde 1987 in Graz von Günther Holler-Schuster, Ronald Walter, Armin Ranner und Martin Behr gegründet. Vor diesem Zeitpunkt malten zumindest 2 der vier Künstler mehr oder weniger aktionistisch, inzwischen haben zwei Nebenberufe, zwei sind aus beruflichen Gründen, verbunden mit Ortswechsel ausgestiegen, das Grazer Duo ist aber nun drauf und dran im internationalen Kunstkontext mitzuspielen.

Das Werkzeug haben die Künstler gewechselt, zuerst sah man Videos und Fotografie, in letzter Zeit steht die Hinterfragung von Fotografie als Medium (in mehrfachem Sinne verstanden) im Mittelpunkt ihrer Tätigkeit. Als hätten sie es geahnt, haben g.r.a.m. zum Zeitpunkt der unglückseligen Geschichte mit Lady DI eine Ausstellung über „paparazzi" präsentiert. Im Atelier Augarten konnte man die Opfer der Nachstellungen bewundern (bekannte und unbekannte Personen in mehr oder weniger „angenehmen" Positionen). Die Ausbeute der Kunstpaparazzis war aber weit eher als Idee heiß, denn als gesellschaftspolitsche Angelegenheit mit Nachwirkungen. Der Kunstakt hatte den Künstlern Sympathien eingetragen und die Aufmerksamkeit durch das zufällige Zusammenfallen von Ereignissen verdoppelt. Mit den Mitteln der Fotografie eine intelligente Kunstpraxis auszuüben, das bleibt im Gedächtnis, ab diesem Zeitpunkt wurde die Arbeit der beiden Künstler vermehrt verfolgt. Man wird sich an dieser Stelle vielleicht fragen, inwieweit die Bearbeitung von bereits bekanntem Material „Quoten" bringt. Durch die Zweitberufe, der eine als Kurator der andere als Journalist, ist den Künstlern die Verflechtung unterschiedlicher Ansprüche bewusst, sie gehen sicher nicht naiv an die Themen heran, wirken aber auch nicht allzu strategisch. Beim vorletzten Projekt, dem Nachstellen von Filmszenen von Stan Laurel und Oliver Hardy durch die beiden Künstler, haben sowohl die Originale, als auch die Transformer die Sympathien der Betrachter, denn es geht nicht um Entweihung, nicht um Plagiat, die „unschuldigen Anarchisten" verschieben eigentlich nur U-Kunst in E-Kunst. Wie brisant sind ihre „Nachstellungen" verglichen mit anderen Nachstellungen von Künstlern? Die österreichische Künstlerin Margot Pilz hat das Abendmahl mit einer Gruppe von Frauen nachgestellt, Valie Export hat Madonnen Hausarbeit leisten lassen – das lief unter Feminismus und war offenbar zum Zeitpunkt der Veröffentlichung nicht mehr lebensgefährlich. Der Schweizer Künstler Martin Schwarz nützte digitale Strategien um ehrenwerten Damenporträts der Kunstgeschichte unsittliches Röcke lüpfen zu unterstellen – nun die waren schon tot. Die einzige Strategie die einem Künstler das Kunstleben kostete, war jene von H.R. Ambauen, er zeichnete den Stammbau der Kunstmaffia nach.

So, und jetzt machen sich g.r.a.m. an ein inzwischen geheiligtes Gut, den Wiener Aktionismus heran, der ja gerade weil er jahrelang von Politikern geschnitten, von Populärmedien verrissen wurde, ja sogar Gefängnisluft gebracht hat, der Kunstszene ein durchaus zu verteidigendes Heiligtum ist. Mit „Wiener Blut" nach Motiven von...., dem neuesten Werkzyklus wird doppelter Zynismus zum Spiel: Ist zwischen Operette und dem Drama überhaupt soviel Unterschied, vor allem weil sowieso alles gestellt ist? Inzwischen sind ja viele der angegriffenen und damals provokanten Werke schon so bekannt, dass sie nicht nur von Insidern identifiziert werden können – was sagen sie uns heute überhaupt noch? Die frühen (noch nicht übermalten) Grimassen von Arnulf Rainer, statt Peter Weibel an der Leine von Valie Export als Hund durch die Straßen geführt, ein vielleicht schwules Pärchen? Wie nimmt man heute solch inszenierte Fotografie wahr? Regt sich da irgendjemand auf? Die Dramatik der Selbstverstümmelungen von ehemals Brus und Schwarzkogler, wirken in ihrer Adaptierung, in ihrer aktuellen Transformation eher wie eine Komödie – nur das, das ist wirklich brisant, denn es zielt auf die Schaulust und die Vermarktbarkeit von Tod und Elend und das ist der Punkt, der uns heute bewegen könnte.

JANA WISNIEWSKI

GEOGRAFIE UND DIE POLITIK DER MOBILITÄT in der Generali Foundation

Geografie ist durch Migration einerseits, und einer erstaunlichen Traditionsbewusstheit die überall hin mitgeschleppt wird andererseits, ein interessantes Thema für die Kunst. Es ist nicht leicht auszumachen wo die Interessen liegen, mit welchen Methoden sie vertreten werden und ob nicht viele Projekte längst aus dem Ruder gelaufen sind. Künstler sind in der Regel nur sich selbst verpflichtet, arbeiten aber gerade bei „journalistisch" anmutenden Projekten in kleinen Gruppen. Die „Migration" innerhalb der Kunstdisziplinen hat längst dazu geführt, dass man fast besser von „Autoren" sprechen sollte, um durch Zuordnungen nicht unnötige Begrenzungen setzen zu müssen.

Die geografischen Mappenwerke, erstellt von freien Autoren, sehen deutlich anders aus als jene von Wirtschaft, Politik und auch anders als von „klassischen" Wissenschaftlern, die ja in der Regel Teilbereiche innerhalb von Institutionen bearbeiten und Ihr Wissen auf Kongressen anderen Wissenschaftlern präsentieren. Die freien Autoren interessieren sich oft genug für Themenbereiche, für die ihnen keine Pharmafirma und keine Telekom gern Geld geben würde. Die Recherchen beziehen sich meist auf Zustände, die alle Beteiligten aus unterschiedlichen Gründen gern im Dunkeln gelassen hätten. Dabei geht es nicht immer gleich um Verbrechen, die Offenlegung von Verknüpfungen ist oft unerwünscht.

Ein durchgestylter Atlas wurde vom Pariser „Bureau d´ètudes" zum World Monitoring, dem Kapital und seinen Interessen kreiert und auch als handliches Faltplakat aufgelegt. Das ist die Spitze des Eisbergs innerhalb dieser Ausstellung, bei der die meisten Gruppen doch überschaubare Grenzsituationen bearbeiten. Hier wird das weite Feld der Wissenschaft auf die Hintergedanken abgeklopft, die Auftraggeber und/oder Geldgeber möglicherweise im Hinterkopf haben. Erst in der Zusammenschau offenbart sich, dass doch letztlich auf die Verfügbarkeit von menschlichem Material hingearbeitet wird, auch wenn Teilstrecken durchaus dem Wohle der Menschen dienen mögen.

Eine andere und anders geartete Recherche, die sich eher auf die Resistenz gegenüber globalen Systemen bezieht und das lokale Mächteverhältnis, samt bemerkenswerter Behinderungs- und Verhinderungsstrukturen durchleuchtet, stammt von" multiplicity" aus Mailand. Der Mittelmeerraum als eigenwillige Zone mit schwer durchschaubaren Gesetzmäßigkeiten ist das Feld ihrer Recherche – zu Wasser, nicht auf dem Lande.

Da der Focus bei dieser von Ursula Biermann kuratierten Austellung auf der Recherche liegt,

kommt auch der Betrachter nicht umhin, viel Text zu lesen – das aber macht eine Ausstellung auch nach der Ausstellung verfügbar.

JANA WISNIEWSKI

GESCHICHTEN AUS DEM LEBEN IM CYBERSPACE www.zeitgenossen.com

Ursula Hentschläger und Zelko Wiener lernten sich am Podium einer fachspezifischen Diskussion kennen und hatten sich in der Folge in jeder Hinsicht viel zu sagen. Auf www.zeitgenossen.com kann man eigene Erfahrungen damit machen, wie zwei Künstler aufeinander zugehen, Zelko Wiener vom Bild kommend und Ursula Hentschläger vom Wort kommend. Die Zeitgenossen bewegen sich im Cyberspace und formen Möglichkeiten, kreieren Räume, Stimmen, Emotionen. Wenn man sich den Unterschied zwischen Webdesign und Webkunst klar machen will, dann sollte man sich fragen, was ist auf dieser Site anders als auf einer gut gestylten Präsentation einer Firma, einer Kulturinstitution, oder auch einer Künstlerseite die sich als vielleicht sogar sehr sensibles oder raffiniertes Selbstporträt lesen lässt. Fast alles! Herkömmliche Gestaltungsregeln besagen, dass man es dem Leser leicht machen soll sich orientieren zu können, man wird angehalten „Aufmerksamkeit" zu erregen, sei es durch technische Tricks oder klare Verweise auf die Botschaft. Die Startseite der Zeitgenossen überrascht durch den Auftritt eines Wesens auf weiter Ebene, dessen Herkunftsland schwer auszumachen ist. Mensch, Tier oder Maschine oder alles zugleich, mit Waffe oder Weisheit, mit den Bewegungen eines Roboters und der Stimme eines fremden Gottes, weist er zwar den Weg zu binaryartsite oder outerspaceip, aber damit entlässt er uns erst ins virtuelle Abenteuer. Wartet man konsumgewohnt, dann geschieht nichts. Der Wanderer muss sich in Bewegung setzen, einen Pfad wählen. Auf den sensitiven Stellen der Benutzeroberfläche tun sich unterschiedliche Reiche auf, die man anhand von Wegführungen und Vernetzungen erwandern kann. Es wechseln Versatzstücke aus der Gerätekiste von großen und kleinen Jungen, mit eher filmischen Passagen und Leseproben der besonderen Art. Getragen wird dieses Weltentheater von inhaltlichen Komponenten, die formalästhetischen Erscheinungsweisen operieren nicht als Selbstzweck. Der Reiz solcher Kunstwerke liegt in der Wahrnehmung der Möglichkeiten, die durch entsprechende Software und Netzstrategien nun gegeben sind. „Das Maß an Freiheit misst sich an der Weite des Blicks" – Sätze stehen mitunter wie Manifeste im Raum. Schuldzuweisungen lassen sich parallel lesen, er, sie, ich bin schuld. Hervorgehobene Worte in einer Prosa verschwinden bei Berührung und werden durch ganz andere Bedeutungen ersetzt. Was einmal Buch war, Foto war, Film war, hat sich dank neuer Technologien vernetzt. Aber auch die inhaltliche Komponente verweist auf neue Lebensmuster.

Ein wichtiges Buch das noch auf Orientierungshilfe zielte, schrieb Ursula Hentschläger gemeinsam mit Katharina Gsöllpointner: Paramour – Kunst im Kontext Neuer Technologien. Doch schon hier übernahm sie den Part NetzWerk. Nach wie vor ist sie fasziniert von Vernetzungsstrategien, schreibt aber auch Romane wie „Lost&Found", die im Grunde genommen ganz ähnlich sind wie die Netzkunstwerke. Man ist angehalten den Faden zu finden, dem Leser wird nichts vorgekaut. Zelko Wiener hat zu einem Zeitpunkt digitale Fotografie eingesetzt um Bilder zu konzipieren die eigentlich malerische Qualitäten haben, als das noch kaum jemand tat. Auch Bilder die nicht mit Perspektive angelegt sind, also nicht Raumtiefe aufweisen, scheinen mehrere Schichten oder Ebenen zu haben. In seinen Bildern waren immer wieder angesprochene, aber nicht ausgesprochene Geschichten. Die Parallelen die bei den Wortgebilden von Ursula Hentschläger und den Bildschichten von Zelko Wiener vielleicht immer schon da waren, haben im Zusammenwirken gewonnen. Es ist eine der raren Gelegenheiten, gleichgewichtige Beiträge in einer Arbeit zu beobachten, die sich nicht erschlagen sondern potenzieren. Möglicherweise liegt es aber am Netz, welches auf Zusammenwirken ausgelegt ist, das auch aus Künstler und Leser/Betrachter ein Paar macht, bei dem der Betrachter nicht untätig nehmen kann, sich berieseln lassen kann, sondern seinen Teil bei der Auffassung des Gebotenen liefern muss.

JANA WISNIEWSKI

GESCHICHTEN AUS DER MULTIKULURELLEN WELT – Documenta 11

Neben Reportagen aus aller Welt, die letztlich zeigen, was Menschen bereit sind anderen anzutun, neben Einblicken in bislang exotische Bereiche, neben dezidiert politischer Arbeit in der „Bildenden Kunst", haben sich Erzählformen etabliert, die symbolhaft wie Märchen, die Realität der Werteverschiebungen in einem interkulturellem Raum darstellen. Dabei ist die Kunstpraxis nicht auf Film, Video oder Fotografie, sowie Datensammlungen beschränkt.

Dem Bild misstraut Alfredo Jaar in seiner „Lament of Images" betitelten Arbeit, die aber gerade durch die Einbindung eines Textes, einer politischen Botschaft (Die Torturen die man Nelson Mandela angedeihen ließ, oder die Luftangriffe auf Kabul am 7. Oktober 2001 und den parallelen Ankauf aller Rechte für Satellitenbilder) in ein künstlerisches Environment einen zusätzlichen Ausdruck erhält. Nachdem man die in Leuchtkästen platzierten Texte gelesen hat, muss man durch finstere Gänge den Ort verlassen, um plötzlich in einem grellen Lichtraum (mehr oder weniger geblendet) zu stehen, den man daraufhin bestrebt ist eiligst zu verlassen um den Augen wieder normale Sicht zu gönnen. (Alfredo Jaar ist in Chile geboren und lebt in New York)

Doris Salcedo vermittelt durch die Transformation von Möbeln (Tischen und Stühlen) die entweder in ihrer Materialität entfremdet wurden, oder aber irrational anwachsend Räume verstellen oder verspannen, die ineinander geschachtelt oder unlogisch geknickt, ein künstliches Leben führen, stellvertretend, was aus dem Alltag geworden ist. (Doris Salcedo ist in Bogota geboren und lebt auch dort.)

Jeff Wall zeigt in seiner für die Documenta 11 erstellten konzeptuellen Fotografie, eine dieser subjektiven Welten, die sich Menschen in Abwehr eines normierten Einerlei schaffen. Konkret versucht „The Invisible Man" in einer Kellerwohnung in Harlem mit 1369 Glühlampen Licht in seine Sache zu bringen. (Jeff Wall ist in Vancouver/Canada geboren und lebt auch dort.)

Isaac Julien teilt die Filmleinwand in drei Teile und lässt parallel Filme laufen die sich aufeinander beziehen und deren Protagonisten mitunter die Felder queren. Vom Leben der Schwarzen mit den Weißen, als Autonome im Einklang mit der Natur, als Diener der Kolonialherrschaft, als Konkurrent in den Metropolen, erzählt er in Bildern die zwischen Realität und Fiktion angesiedelt sind und die auch Botschaften einweben, wie dies seinerzeit die Märchenerzähler taten. Wie Hass und Liebe entstehen können, präsentiert er mit einem „Herrn der Ringe", der auch versilberte Fußbälle wie die ehemaligen Kristallkugeln befragt und ihrem Lauf Bedeutungen zuordnet. Mit seiner Arbeit „Paradise" ist er wohl auf der Suche nach Möglichkeiten zu einem neuen „Miteinander". (Isaac Julien ist in London geboren und lebt auch dort.)

JANA WISNIEWSKI

(An: Red.Karl Harb: Ein Versuch an die Besucher der Documenta 11 zu denken, die vielleicht mehr als die „Weltnachrichten" sehen wollen und auch nicht tagelang in Archiven wühlen können oder wollen)

HEINZ CIBULKA – BILDGEDICHTE DIE DAS LEBEN SCHRIEB – Fotogalerie Wien

Bei kleinem Raumangebot große Taten setzt die Fotogalerie Wien mit ihren Retrospektiven, die den bescheidenen Titel WERKSCHAU tragen und einmal im Jahr einer herausragenden Persönlichkeit der Foto-Kunstgeschichte Österreichs gewidmet sind. 25 Jahre Heinz Cibulka ergeben auch einen Zeitraffer, der weit eher die Veränderung der Welt, als die Veränderung des Fotokünstlers spiegelt. Er begann mit seinen Bildgedichten, einem Tafelbild das aus vier Einzelbildern besteht, die gemeinsam eine Geschichte erzählen, beziehungsweise viele Geschichten erzählen, da sie ja bei jedem Betrachter andere Erinnerungen wecken, als die sogenannte „narrative" Kunst gerade aktuell war. Inzwischen ist man aber wieder bei Erzählungen aus dem Alltag angelangt, denn nach den Konzeptkünsten und dem Hunger nach Bildern, stellt sich heute für Künstler so sehr die Frage der Identität, beziehungsweise Identitäten, dass die unmittelbare Darstellung von Alltag oft das einzige ist, an dem man sich noch festhalten kann, das einzige ist, was man als Identität begreift. Insoferne ist Heinz Cibulka heute wieder aktuell. Durchlaufen hat er, übrigens wie alle, die sich den Veränderungen auf dieser Welt nicht verschließen, die Wahrnehmung von Ort als realen, lokalen, bis zur Mischung von Örtlichkeiten aus dem Alltag der Medienwirklichkeit und der selbst erlebten Realität vor Ort. Inzwischen mischt er auch Aufnahmen mit analoger und digitaler Kamera, sowie bearbeitete und nicht bearbeitete Bilder. Als Künstler hat er letztlich seine Identität bewahrt, auch seine Sensibilität. Nur das was Ort ist und das was Wirklichkeit ist hat sich verändert. Das Leben, gewoben aus den Komponenten Arbeit, Erotik, Geburt und Tod und der spirituellen Komponente, die immer vorhanden und überall anders ist, ist nach wie vor der Stoff aus dem Kunst gemacht wird. Cibulka zeigt uns einen Spiegel der Gesellschaft, der Ideologien als temporär erscheinen lässt. Die Grundausstattung menschlicher Verhaltensformen ist schon immer ähnlich und daher ist es auch für jeden Betrachter möglich, in den Bildern dieses Künstlers etwas zu sehen, was berührt, positiv oder negativ. Angefangen bei den schwarzweißen Annäherungen an die Umwelt zur Zeit seines Studiums an der Graphischen Lehr-und Versuchsanstalt, über die sehr bekannten Dokumentationen der Nitsch-Aktionen, bis zu Verschnitten aus Realität und Traumfabrik und Bild-Ton Konstrukten, die letztlich ein Video ergeben, wird knapp, jedoch ergiebig eine Künstlerpersönlichkeit dargestellt, begleitet von den im Triton Verlag erscheinenden Fotobüchern – diesmal: Werkschau VI

Jana Wisniewski

HIGH HEELS ZUR VORERÖFFNUNG DER NEUEN KUNSTHALLE WIEN

Mit Vanessa Beecrofts Interventionen im Raum, präsentiert sich die Kunsthalle an jener Schnittstelle zwischen Bildender Kunst und Performativen Aufführungen, die wesentlich das Kunsthallenprogramm bestimmen werden. Vorweg aber ein Blick auf die Architektur, die in der Realität besser herausgekommen ist als auf den Plänen, denn die Stärke liegt im sensiblen Umgang mit Materialität, die Schönheit liegt im Detail. Das Konzept, sinnbildhafter Materialeinsatz und intelligenter Mix von historischer Substanz und aktuellen Anforderungen entsprechenden Zu/Ein/Neubauten kann sich sehen lassen. Mit Vanessa Beecroft setzt sich der erste Eindruck, den die Architektur macht fort, auch ihr kann man Materialverliebtheit nachsagen. 45 mehr oder weniger nackte Mädchen zeigen nicht Persönlichkeit sonder Outfit. Bezüglich Menschenmaterial hat sie auf trainierte, begabte Körper verzichtet, die Bewegungen im Raum werden von einer Truppe von Mädels vollführt, die einer aktuellen Norm der Hübschheit entsprechen und sich relativ unspektakulär in den Räumen bewegen. Die Koketterie liegt auch hier im Detail, denn ob nackt oder mit mehr oder weniger Unterwäsche bekleidet, alle überhöhen eine Normfigur mit High Heels. Ob das nun das Podest für die Kunstfigur sein kann, erscheint insofern fraglich, weil gerade bei den endlos hohen schwarzen Lederstiefeln die Helmut Lang gespendet hat, eine Signalwirkung ausgepielt wird, die ins Rotlicht verweist. Die unberührbaren Schönen können 3 Stunden lang betrachtet werden, genug Zeit um herauszufinden, ob die Frau als Eintopfgericht überhaupt reizvoll ist. Möglicherweise macht es doch mehr Spaß zwischen rassigen, ätherischen, erotischen, sportlichen, intellektuellen und auch mehr oder weniger rundlichen Frauen persönliche Vorlieben zu entwickeln. Das Projekt zielt auf Sensation und auf Besuchermassen und wird sich der Missverständnisse nicht entziehen können, weil es so nahe am Vordergründigen liegt. Der Kunstwert ergibt sich erst durch Beschäftigung, ein Ausschnitt und ganz besonders das Plakat führt eher zu ganz anderen Schlüssen. Dieses Spiel mit den Zuordnungen zu ganz anderen Feldern ist aber derzeit in der Kunst sehr aktuell, am Beginn dieses Jahrtausends unterliegt die Kunst einer Zerreißprobe zwischen Politik und Mode.

Jana Wisniewski

Iké Udé – Inszenierte Fotografie, politisch brisant, gesellschaftskritisch, witzig!

In der MAK-Galerie kann man der Frage nachgehen, wo denn der Unterschied zwischen politisch tätigen Künstlern und politischer Kunst liegt. Der in New York lebende Nigerianer stellt all die Fragen, die sehr viele Menschen jetzt beschäftigen. Er stellt die Fragen nach Realität und deren medialer Repräsentation, die Fragen nach Identität inmitten weltweiter Migration als Künstler in der Form von Kunstprodukten. Das Kunstprodukt ist freilich nicht im engen Raster überkommener Muster zu suchen, der Modeschöpfer, Zeitschriftherausgeber, der hier als Fotograf präsentiert wird, zieht alle Register zeitgenössischer Kunstpraxen. Der Unterschied zu einfachen Demonstranten besteht in der Differenziertheit der Vorgangsweise, einer Vielzahl von Einfällen, die aber nicht einen Bösewicht ausmachen und auf den stur losprügeln, weit eher wird das Ambiente seziert, das zu den diversen Auswüchsen führt.

Der Künstler ist an Mode und Lifestyle interessiert, kann aber gerade darum, sozusagen voll im Trend, die Glitzerwelt unterlaufen und gesellschaftspolitische Statements von beachtlicher Tragweite abgeben. Als konkretes Beispiel sei auf seine Gestaltung von Titelblättern wichtiger Magazine hingewiesen. Diese Titelblätter würden so niemals stattfinden, weil sie nicht nur das aktuelle Thema brilliant darstellen, sondern auch gleichzeitig einer in unterschiedlichen Richtungen hin überzogenen Darstellungsweise des Blattes den Spiegel vorhalten. Die als kritisch anerkannten Blätter Der Spiegel und Profil widmen sich der Neonaziszene derart exzessiv, dass dabei eine Erotisierung des Themas herauskommt und damit eigentlich das Gegenteil von dem, was sie vorhatten. Bei Stern und Playboy sind es eher die ungeschickten, oder platt eindimensionalen Ansichten, welche die Aussagen immer wieder kippen und entlarven. Auch der Mode weis er Hintergründiges abzugewinnen, auch wenn es nur ein gestreiftes Herrenhemd ist, die Etikette kann als Aufforderung für fast alles gelesen werden. Der Einzug von Pornographie in alle Lebensbereiche, bringt der Erotik vielleicht nicht so viel, demoralisiert aber auch weite Felder für die der Intellekt zuständig war. Wo steht nun die Kunst? Wie man anhand dieser Ausstellung vermuten könnte, beginnt sie den unübersichtlichen Mix von Sex&Crime, Mode&Politk mit medialen Mitteln zu schlagen, in einer witzigen Form von Antiwerbung, die mehr entblößt als manchen lieb ist.

Jana Wisniewski

IM BUCHSTABENFELD – Neue Galerie Graz

Gespeist von Werken, die zum Teil schon vor Peter Weibels Leitung des ZKM in Karlsruhe Bestand der Sammlung waren, ergänzt mit neuen oder erneuerten Beispielen einer Kunstpraxis die sich mit dem Wort und zum Teil mit den neuen Medien auseinandersetzt, bleibt der „Entwurf zur Zukunft der Literatur", wie Peter Weibel sein Buchstabenfeld im Untertitel bezeichnet, doch deutlich im Kontext der bildenden Kunst verhaftet. Er beginnt mit Beispielen, die noch vor den Literatur und Kunstartikulationen im Netz lagen, die aber Interaktivität ansatzweise vorwegnahmen. Ecke Bonk´s vorwärts und rückwärts lesbarer Hilferuf an die Medien [ aide moi : o media ] auf Spiegel geschrieben, knüpft ja eigentlich an eine Tradition visualisierter Texte an, die am Beginn des letzten Jahrhunderts in die Kunstsalons drangen. Seit etwa drei Jahren ist nun mit der zunehmenden Verortung im Netz, ein reger Austausch auch mit Kunst oder Literaturqualität entstanden und hat eine vollkommen andere Situation geschaffen. Die Literaturcafes und Berliner oder andere Zimmer, die Fotografie Literatur oder Medienkunstwettbewerbe die jederzeit über die Domain eingesehen werden können, haben das Buchstabenfeld beträchtlich erweitert.

Die Beweglichkeit der Buchstaben hat durch Flash zugenommen und die Interaktivität hat sich von den vorgegebenen Mustern emanzipiert.

Was leistet nun diese Ausstellung? Sie zeigt einen der Wege, den Literatur genommen hat. Wie schon Stephane Mallarme, dessen jahrelange Bemühungen um die Metaebene des Buches, letztlich als Frage der Typographie gesehen werden kann, verbunden mit der Freiheit der Lesestruktur, die aber als Theorie zum Akt des Lesens, wohl ein Minderheitenprogramm bleiben muss, so erweisen sich unterschiedliche Strategien mit dem Charakter des Zufallsgenerators als Grundmuster für Kunstwerke. Die via Video produzierte Textschleife von David Larcher läuft im leeren Raum. David Gabriel produziert „Poesiemaschinen" die zwar auf Texteingaben reagieren, die Resultate daraus erscheinen aber dennoch als verselbstständigt, betreffen den „Mitautor" wohl nicht mehr. Die Formen der Interaktivität sind denkbar bescheiden. Masaki Fujihatas „Beyond Pages", lässt dem engagierten Betrachter wenigstens die Möglichkeit, durch Eintragungen ins virtuelle Buch, Geschichten auszulösen. Diese sind zwar vom Künstler vorgegeben, aber wenn sich überraschend im verdunkelten Zimmer eine Tür zu öffnen scheint, ein Kind hurtig den Ort verlässt, so sieht man sich doch an die Zeit erinnert, als Märchen noch real erschienen. Mit mitunter selbst entwickelter Software, in mehr oder weniger interessanten Apparaturen implementiert, visualisieren Künstler Ideen, die sich aber immer als Reflektion der Bedingungen zu Literatur, Philosophie artikulieren. Wenn ich z.B. durch Blickkontakt einen Text ansprechen kann, dabei aber nicht erfahren kann welchen und warum er sich wie fortschreibt, geschweige denn, dass ich das Resultat im Griff hätte, dann ist das eigentlich frustrierend. Was bekomme ich eigentlich und was darf ich geben? Zusammenfassend kann man in dieser Ausstellung eine Fokussierung auf Literaturen feststellen, die jenseits von linearem schreiben und lesen, auf einem interdisziplinärem Gebiet agieren. Als Trend der Zeit können die Überschneidungen der Kunstbereiche auch parallel in diesem steirischen herbst bei Beat Furrer in der Musik, die Sprache als Tonfragment einsetzt, aber auch als Bedeutungsträger zulässt beobachtet werden. JANA WISNIEWSKI

ROBERT ADRIAN X – Kunsthalle Wien (bis 10. Februar 2002)

Robert Adrian X ist im Internet sicher bekannter als im Galerien- und Museumsbetrieb und das liegt an seiner Arbeitsweise. Als Pionier der Telekommunikationsprojekte, war er derjenige, der einen Pool junger Leute um sich scharte, aus jener Künstlergeneration, die heute als „Medienkünstler von Rang" ihre eigenen Wege geht.

Der Kanadier, der schon sehr lange bei uns hier in Wien lebt, Teil dieser Kunstszene geworden ist, lernte eigentlich von seinen Eltern, die auch Künstler waren und begann als Maler (dessen Frühwerk allerdings verloren gegangen ist) und trat mit Objektinstallationen ins Bewusstsein einer breiteren Öffentlichkeit. Auf den ersten Blick liebenswert verspielt, sind seine „Job-Sammlungen" die Flugzeuge und Segelboote aber stets Zeichen für ein sehr ausgeprägtes politisches Bewusstsein. Nicht nur seine Eltern (Künstler) mussten vielerlei „Jobs" tun um überleben zu können, auch er hatte da allerlei Erfahrungen gesammelt, die er in einer Ansammlung von Miniaturen nebeneinander stellte. Die Flugzeuge (allesamt Kriegsspielzeug) wurden durch tapezieren mit Kriegsberichterstattung oder Kriegscomics, den „Kinderstuben" entzogen, und kreisen nun als das was sie wirklich sind und können, als Kriegsdekor an der Wand. War sein gesellschaftspolitisches Engagement in der Objektphase noch „übersetzt" und in einen aktuellen Kunstkontext gut integrierbar, so verließ er durch die Gründung von Initiativen wie „BLIX" den Raum der etablierten Künste und beschäftigte sich mit Überwachungssystemen in der U-Bahn, mit Sound- und Testprojekten und politischen Recherchen. Sein größtes Interesse bestand darin, innerhalb von Kommunikationssystemen und im Medienbereich, als Künstler auszuprobieren, ob mit dem Blick hinter die Kulisse nicht die Mediensysteme transparenter zu gestalten wären. Er ist ein früher Vertreter der „Institutionskritik" und der Darstellung jener Praktiken, die mitunter oft weit mehr als das Kunstwerk selbst, den Kunstkontext prägen. Ob mit Objekten, als Textcollage, als Nachforschung (z.B. den Verbleib, Verkauf, beziehungsweise Raub von Kulturgütern betreffend) begab er sich in ein heute als „Kunstpraxis" ausgewiesenes Feld, das aber vor 20 Jahren noch recht befremdlich wirkte. Ja, sogar wenn es ihn zur Fotografie zog, blieb er konzeptuell ( er fotografierte Glühbirnen und Taschenlampen, sowie deren Spiegelungen – so oder so – er musste immer etwas ausleuchten. In seiner Denkweise nahm er das parallel arbeiten in Fenstern, wie es uns durch den Computer anerzogen wurde, schon durch eine Praxis der „Collage" vorweg. Es ging nicht darum, etwas neues zu kreieren, es ging um Neuordnungen, Gruppierungen, die auch fremdgesteuert, immer noch Erkenntniswert besitzen.

JANA WISNIEWSKI

UGO RONDINONE – Kunsthalle Wien

Paradiesische Irrgärten des Manierismus könnten als Gegenbeispiel herangezogen werden, für das verspiegelte Reiselabyrinth, welches Udo Rondinone für die Wiener Ausstellung geschaffen hat. Statt gestutzter Hecken, markieren verspiegelte Säulenkonstruktionen den Irrgarten, der nach allen Seiten hin den Blick frei gibt. Statt realer Ausblicke verheißen Monitore ein endloses Reiseabenteuer – stets haben wir Schienenstränge vor und hinter uns. In Einblendungen kleiner Abschnitte in den Videos, erscheinen Erinnerungen, vielleicht weit zurück liegende schöne Stunden, oder aber Beobachtungen bei Reisebegleitern. Die Schienen, die nie ankommen, werden von einer Stimme begleitet die nie ankommt – keine Höhepunkte – Sirenengesänge und Verheißungen..............

Udo Rondinone fiel im Kunstkontext durch Filmausschnitte auf, die er als fotografische Bilder anbot. Gesucht hatte er nach Fehlerstellen im Film, die man bei laufender Darbietung nicht bemerkt, die erst als Filmstill den ästhetischen Reiz eines Fehlers im Material preisgeben. Auf irgendeine Technologie lässt sich der Künstler aber nicht festmachen.

Der in der Schweiz geborene, studierte in Wien, wurde von einer der besten Fotogalerien in Paris transportiert, lebt jetzt in New York.

In Wien zeigt er eine Fotoarbeit, bei der er sich mit der Welt der Frau in so ferne auseinandersetzt, indem er Frauen als Model darzustellen versucht, wobei er aber männliche Attribute mitunter nicht kaschiert. Das mag eine Anspielung auf männliches in Frauen und weibliches in Männern mitschwingen lassen. Vordergründig geht es aber um Individualität durch Outfit. In einer weiteren Arbeit ist das Environment auf Sound konzentriert, auf virtuellem Wellenboden kann man schreitend ein Gespräch belauschen, das aufgrund der eigenen Bewegung immer aus einer anderen Ecke zu kommen scheint. Ein Mann und eine Frau versuchen sich zu verstehen, schaffen es aber nicht. Animositäten, Schuldzuweisungen, beziehungsweise als Schuldzuweisung Verstandenes produzieren jenen verbalen Irrsinn, den sich Paare oder Möchtegernpaare oft genug liefern. Als relativ dunkle Bildandeutungen stehen vielleicht unausgesprochene erotische Wünsche.

Zur Ruhe kommen nur die dicken Clowns, die selbstvergessen auf dem Boden liegen, tief genug, um nicht mehr ins Schussfeld der Zielscheibe geraten zu können.

JANA WISNIEWSKI

Roman Scheidl – Pinselschriften

Mit „Pinselschriften", erschienen in der Bibliothek der Provinz, konnte zusammen gefasst werden, was diesen vielseitigen Künstler bewegt. Vorweg muss man allerdings anmerken, dass Roman Scheidl ein weitgereister, mit vielen Kulturen vertrauter Künstler ist – so gesehen, kann die Peripherie (Bibliothek der Provinz) ein Zentrum sein. Mit „weitgereist" ist auch eine innere Reise gemeint, denn die Reisen, beziehungsweise die Kulturen, die Roman Scheidl kennen lernen konnte, schlagen sich in seiner Arbeit nieder. Seit Anbeginn war er immer ein Erzählender, ein „narrativer" Künstler, ob das gerade Mode war im Kunstkontext oder nicht. Grenzen, Begrenzungen, waren bestenfalls eine Herausforderung – insbesondere zu Schriften, zum Schreiben, zu Zeitschriften, hatte er eine unübersehbare Zuneigung, was sich nicht nur in seinen unzähligen, tagebuchartigen geschrieben/gemalten Buchoriginalen niederschlug, sondern auch in Annäherungen an den Faktor „Zeitschrift" durch temporäre Mitarbeit oder Botschaft eines Künstlers.

Eine andere Besonderheit von Roman Scheidl ist die Liebe zum Material. In grauer Vorzeit, als ich noch im „Falterkollektiv" war und Roman auch dorthin wollte, zeigte er mir einmal seine Pinselsammlung – mit leuchtenden Augen. Immer wenn er gerade Geld hatte, kaufte er genussvoll Malmaterial – denn man kann ja nie wissen – wenn man plötzlich kein Geld hat, wäre man dann ja „arbeitslos". Müßig zu erwähnen, dass historische Tuschzeichnungen eine Faszination auf ihn ausübten. Doch, vorerst malte er, als einer der sogenannten „Jungen Wilden", nicht ganz so wild, nicht ganz so locker und packte immer viel zu viel in jedes Bild hinein – der sprudelnde Wissensfluss musste offenbar untergebracht werden. Die ihm adäquate Form der Malerei – Pinselschriften – fand er später, damit konnte er schneller auf die Einfälle reagieren - was zuerst sozusagen übereinander war, entwickelte sich linear und weit besser lesbar.

Bewegung, Tanz, Musik, Theater, also Dinge die in der Zeitschiene liegen, die sich nicht auf einem Blatt, einer Leinwand realisieren, interessierten ihn und er suchte die Zusammenarbeit mit Künstlern aus anderen Sparten.

Mit der Tänzerin Bettina Nisoli, entwickelte er dann jenen Stil von theaterähnlichen Aufführungen, bei denen die Malerei eine tragende Rolle innehatte, eine Vision die ihm schon lange vorschwebte. Die Pinselschriften hatten sich in den Raum verlagert. Inzwischen sind ihm die „Kunstmoden" wieder entgegengekommen, denn eine zeitlang war ja alles „Narrative" total out und auch die „hohe" und die „angewandte" Kunst (sei es als Gegenstand, als politisches Statement, als verbale Reflektion) haben keine Trennwände mehr – so ist nun Buchobjekt, Aufführung, Wandgestaltung, Nutzobjekt, Grafik oder Malerei – mit „Pinselschriften" versehen, die Botschaft eines Künstlers mit weitem Horizont.

Auch Fotografie und Text gehören zu den Ausdrucksformen von Roman Scheidl, insbesondere Texte zur Kunst. Der Grund, warum man dennoch auf die Pinselschriften verweisen möchte ist: auf diesem Gebiet ist er eben geradezu konkurrenzlos (abgesehen von historischen Vorbildern aus Fernost)

Jana Wisniewski

WORLD-INFORMATION EXHIBITION im Wiener Technischen Museum

Public Netbase, das Institut für Neue Kulturtechnologien und sein Leiter Konrad Becker, waren bis jetzt im Museumsquartier beheimatet. Das Profil dieser Institution kann man anhand einer Ausstellungsreihe imaginieren, zuerst ein schräges Event zum Thema Roboter, dann Synworld, das schon recht professionell den aktuellen Stand der Dinge erfasste und nun WORLD-INFORMATION, knallharte Gesellschaftskritik die am richtigen Ort zeigt, was wir durch sich ständig verändernde Infrastrukturen bald als Kultur werden wahrnehmen müssen. Konrad Becker, ein Netzfanatiker der ersten Stunde (wir erinnern daran, dass Künstler zuerst große Hoffnungen ins Netz setzten und sich auch z.B. als Provider betätigten) sieht jetzt den Zugriff von Machtblöcken und die Domestizierung breiter Gesellschaftsschichten.

So sehr die einschlägige Werbung auch das Gegenteil verbreitet, die neuen Technologien sparen nicht nur Zeit sondern auch Arbeitsplätze und kosten vor allem zuerst einmal sehr viel Zeit und Geld. Und, wie schon bei technologischen Revolutionen vergangener Jahrtausende, fallen minder Begabte, alte und arme Bürger aus dem Netz; es sei denn, man setzt wirklich zielorientierte Gegenmaßnahmen. Es ist ja inzwischen ein offenes Geheimnis, dass sogar bei jungen Akademikern die Köpfe rauchen, Verschiedenstes nicht so funktioniert wie angegeben und immer mehr Alte und Junge sich als Einzelkämpfer mit dem Zeug abstrudeln, weil sie in temporären oder ohne Vertragsverhältnisse arbeiten. Gleichzeitig werden die Aktivitäten der Kleinen immer durchsichtiger und jene der Konzerne immer internationaler und undurchsichtiger. Die politischen Vertreter können das, worüber sie zu entscheiden haben, sich mitunter kaum mehr richtig vorstellen und viele Lehrer haben eigentlich Angst vor den Schülern, die sich ihre Informationen spielerisch holen. Es steht eigentlich ein totaler Wertewandel an.

Die Ausstellung macht einen Versuch Pfade durch den Dschungel zu legen. Besucher, die sich dafür Zeit nehmen, können z.B. Kontrollsysteme selbst testen, indem sie Datenspuren hinterlassen, die ihnen am Ende des Parcours als virtueller Doppelgänger vorgesetzt werden. Künstler wie Ingo Günther oder das Critical Art Ensemble präsentieren Arbeiten die höchst schonungslos geographische oder gentechnologische Veränderungen bloßlegen. Es ist heute wohl nicht mehr die Frage, ob etwas mehr Kunst oder Technik, mehr Design oder Wissenschaft ist, mehr Medizin oder Lifestil, die wirkliche Frage ist, ob man sich noch draussieht und sein Leben meistern kann. Es ist nicht falsch, wenn Künstler uns die Augen öffnen wollen, statt modische Brillen zu verkaufen.

Jana Wisniewski

>>>>>>>>>>>weiter zu Beispielen als man noch (oder noch nicht) gefaxt, nicht gemailt hat>>>>>>>>>>>>>>